https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=570 L’Oeil du Spectateur N°4 — Saison 2011-2012 fr jeu., 02 févr. 2012 16:18:33 +0100 lun., 06 févr. 2012 10:08:41 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=570 0 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=524 lun., 14 nov. 2011 16:20:15 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=524 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=528 This article combines a literary analysis – of how violence serves, language complicates, and truly engaged silence diffuses the energy of the revenge plot in Shakespeare’s Titus Andronicusand The Tempest – with an evaluation of its physical representation in a specific dual production of these plays by the Adirondack Shakespeare Company, presented in February of 2011 in New York City. This production, entitled “The Bookend Project”, employed the same actor as Lavinia in Titus Andronicus and Caliban in The Tempest. Doubling these roles allows an exploration of how violence is perpetrated upon a single actor’s physical body in both plays, as well as each character’s varied responses to the violence. Cet article s’intéresse l’intrigue de la revanche dans Titus Andronicus et dans The Tempest de Shakespeare ‑ comment la violence la sert, comment la langue la complique, comment un silence tout en tension contribue à son dynamisme. Il en propose à la fois une analyse littéraire et une appréciation critique de sa représentation dans une mise en scène de ces pièces par la Compagnie Adirondack Shakespeare – mise en scène présentée en février 2011, à New York City. Dans cette mise en scène, intitulée « The Bookend Project » (« Le Projet Serre-Livres »), le même acteur joue le rôle de Lavinia dans Titus Andronicus et celui de Caliban dans The Tempest. Ce double rôle permet d’explorer comment la violence est perpétrée sur le corps physique d’un seul acteur dans les deux pièces, ainsi que les réponses variées que les personnages apportent à cette violence. mar., 15 nov. 2011 15:07:29 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=528 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=588 Ce compte rendu d’Hamlet de Shakespeare, mis en scène par David Bobee à Poitiers du 14 au 17 mars 2012, est structuré par le leitmotif du « crâne dans le crâne » qui régit l’action de la pièce elle-même. En effet, quand Hamlet tient entre ses mains le crâne emblématique (V.1), et ici fragmenté, on est mis devant la représentation visuelle de la métaphore filée de la pièce : « Être ou ne pas être » (III.1),2 ainsi que devant une mise en abyme de l’indépendance de la mise en scène et de sa dépendance au texte originel. La façon dont le metteur en scène fait voir que la fragmentation n’est pas synonyme de destruction est donc la clé de voûte de cet article. En effet, je démontrerai que cette production du XXIe siècle est à la fois « cher » à ce texte datant de plus de quatre siècles et fait « chair » avec lui. This review of David Bobee’s 2010 production of Shakespeare’s Hamlet, performed in Poitiers from the 14th to the 17th March 2012, is written according to the framework of his skull-within-a-skull staging of the play. Indeed the emblematic skull that Hamlet contemplates in Act V, scene 1 (here fragmented) is itself a visual representation of the play’s core metaphor : “To be or not to be” (III.1.56) and reminds spectators of the independent and yet embedded nature of the production with regards to Shakespeare’s text. How the director articulates his stage management to show that fragmentation is not necessarily synonymous with destruction will thus be the heart of the matter. Indeed, I will demonstrate that this 21st Century production is both kin, and kind, to the playwright’s original 16th Century text. lun., 26 mars 2012 09:55:45 +0200 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=588 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=589 Thomas Ostermeier’s production of Measure for Measure1 seeks to undermine the perfect balance suggested in William Shakespeare’s title of the play2. To do this, he addresses the issue of the grey zone to be found between the seemingly clear-cut divide between justice and redemption : « die grauzone zwischen moralisher konsequenz und inhumaner Grausamkeit auslotet3». Indeed, Shakespeare’s juxtaposition of body and soul in this play serves as a catalyst for Ostermeier’s creativity with regards to achieving the impossible equilibrium of self-abnegation and self-fulfilment within a tight authoritarian framework – something which should inevitably call for compromise. In other words : « rules of virtuous and sociall living, and not to be snares to trap your good subjectes : and therefore the lawe must be interpreted according to the meaning, and not to the literall sense […] And as I said of Iustice, so I say of clemencie […] Nam in medio stat vitus4 ». My review will thus discuss how Ostermeier stage manages Shakespeare’s tragi-comedy and whether his craft brings down the balance on one side of the « dilemma » or the other. La mise en scène de Mesure pour Mesure de Thomas Ostermeier cherche à ébranler l’équilibre parfait suggéré dans le titre de William Shakespeare. Pour ce faire, il examine la zone d’ombre qui se trouve entre les deux thèmes principaux de l’action, la justice et la rédemption : « die grauzone zwischen moralisher konsequenz und inhumaner Grausamkeit auslotet ». En effet, la juxtaposition shakespearienne du corps et de l’esprit sert de catalyseur pour Ostermeier afin de mettre en exergue l’impossibilité d’un accord parfait entre la réalisation et l’abnégation de soi dans le cadre d’une extrême autorité. Ce qui devrait amener inéluctablement à un compromis, autrement dit : « les lois ont été ordonnées pour être les règles de conduite vertueuse et sociale, non des pièges destinés à surprendre tes bons sujets : d’où il ressort que la loi doit être interprétée selon l’esprit et non selon la lettre. Et surtout, mesure ton amour pour chacun à la mesure de sa vertu5 ». Ce compte rendu examinera ainsi comment Ostermeier met en scène cette tragi-comédie de Shakespeare et analysera si son art fait pencher la balance d’un côté du « dilemme » ou de l’autre. jeu., 14 juin 2012 09:21:07 +0200 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=589