https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1634 Index de Baz Luhrmann fr 0 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1740 Shakespeare's Romeo and Juliet has been subject to numerous film adaptations. When taken as a whole, the entire corpus testifies to a multitude of aesthetic and narrative devices having been brought to bear on the original source material in an attempt to keep the narrative and its themes relevant and exciting. Examples of film adaptations of the play are as numerous as they are diverse.1 While forbidden love represents some of the aspects of the sacrificial quality of love, namely its personal, political, and cultural costs, these adaptations overlook Shakespeare's more fundamental exploration of the radical imbalance produced by love, its catastrophism, and its total cost. In this sense, this paper is interested in theorizing the idea of the total cost of love Shakespeare explores: a will to real love is also a will to death. Since the turn of the 20th century, it can be argued that Baz Luhrmann’s 1996 adaptation and Franco Zeffirelli’s 1968 adaptation are the two most influential on-screen adaptations of Shakespeare's Romeo and Juliet to date.2 Substituting and modernizing swords and duels for pistols and gunfights, the melodrama unfolded in Luhrmann's Verona Beach, California encapsulates the frenetic chaos of young love portrayed through the auteur's equally admired and criticized kinetic visual storytelling. Referring to Luhrmann's take, this paper seeks to make a theoretical intervention into scholarship and criticism of both Luhrmann as an auteur and of his auteur’s choices that emerge in his adaptation of the play. Romeo et Juliette a déjà fait l’objet de nombreuses adaptations cinématographiques. Considéré dans sa globalité, le corpus témoigne de l’existence d’une multitude de moyens narratifs et esthétiques qui se sont appuyés sur la source shakespearienne afin d’en rendre l’histoire et les thèmes toujours aussi pertinents et attractifs aujourd’hui. Les adaptations de la pièce sont aussi nombreuses qu’elles sont diverses.3 Tandis que l’amour interdit représente l’un des aspects de la nature sacrificielle de l’amour, c’est-à-dire ce qu’il en coûte sur les plans personnel, politique et culturel, ces adaptations escamotent la façon dont Shakespeare explore le déséquilibre radical que produit l’amour, les catastrophes qui en résultent et le coût total qu’il exige. Dans ce sens, cette étude s’intéresse à théoriser l’idée du coût total de l’amour tel que Shakespeare le présente : une volonté d’amour réel est aussi une volonté de mort. En se fondant sur l’adaptation de la pièce Romeo+Juliet (1996), l’auteur cherche à faire émerger cette vision de l’amour que partage Baz Luhrmann, cinéaste et réalisateur aux choix singuliers. dim., 08 déc. 2019 14:53:02 +0100 sam., 19 févr. 2022 04:55:16 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1740 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1739 En 1996, Baz Luhrmann transpose à l'écran une version moderne de la pièce de Shakespeare. Le projet naît durant une période où les cinéastes cherchent à réhabiliter des classiques du théâtre comme du cinéma (par exemple, Sleepy Hollow de Tim Burton en 1999). Il s'agit alors de redonner le goût de ces « classiques » à une nouvelle génération dédaignant les textes datés ou les films en noir et blanc. Si les exemples de cet ordre sont légion, le travail de Baz Luhrmann se caractérise par un extrémisme rare, préservant le verbe shakespearien et le mariant avec une esthétique post-moderne. Cet article se propose d'analyser la démarche du cinéaste à travers le concept de ré-imagination. Dans cette conception précise du septième art, il semble indispensable de transformer certains mots du texte original en une autre forme – visuelle ou sonore – mettant ainsi en avant toutes les potentialités artistiques du cinéma. Baz Luhrmann tente de répondre à la problématique d'Arnold Roger Manvell et John Huntley en ré-imaginant Roméo et Juliette pour le grand écran des années 1990. Se dessine une ambiance aux accents « post-apocalyptiques », pour reprendre l'expression de Richard Vela (Apocalyptic Shakespeare, 2009). L’esthétique de la mise en scène est dominée par le règne de l'image tantôt publicitaire et clipesque, tantôt brute comme un reportage, scandée par un montage nerveux, des ralentis, des accélérés qui épousent le chaos du monde représenté. Le « + » de Romeo+Juliet synthétise l'entreprise du cinéaste : additionner deux univers comme une équation logique. In 1996, Baz Luhrmann transposed a modern version of Shakespeare’s Romeo and Juliet to the screen. The project was born at a time when filmmakers were trying to rehabilitate the classics (see for example Tim Burton’s Sleepy Hollow in 1999). The purpose was to make the new generation be fond of the classics while the latter had been progressively ignored or despised when screened in black and white for instance. If there are numerous examples as such, Baz Luhrmann’s work is characterized by a rare extremism that spares the Shakespearean poetry in a post-modern aesthetics. This article aims at analysing Luhrmann’s work through the concept of “re-imagination” or “re-invention”. In this cinematographic approach, it seems necessary to transform some words from the original text into another form – either visual or sonorous – which thus highlights all the artistic potentials of the cinema. Baz Luhrmann tried to answer Arnold Roger Manvell’s and John Huntley’s problematic by “re-imagining” Romeo and Juliet for the screen in 1990. The general atmosphere was “post-apocalyptic” to use Richard Vela’s phrase (Apocalyptic Shakespeare, 2009). The aesthetics of the production was governed by either an advertising and clip-like image or a raw picture like a documentary thanks to a nervous editing process (including slow and speedy motion) that echoed the world’s chaos which was represented. The ‘+’ of Romeo+Juliet synthetized Luhrmann’s aspiration: to combine two universes in a logical equation. dim., 08 déc. 2019 14:34:08 +0100 sam., 19 févr. 2022 04:20:50 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1739 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1738 Shakespeare’s Romeo and Juliet is in theatrical terms an anomaly. The melancholic young poet, the passionate lovers, the dramatic infighting of the families and the convoluted story concocted to propel the lovers into their “happy ever after” all sit comfortably within the conventions of Shakespearean comedy. However, the script published in the second Quarto in 1599 gave the play its extended title of The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet, clearly situating it within the genre of tragedy and suggesting that Shakespeare’s main aim was to write a didactic play about the dangers of England’s descent into civil war. Although the beautiful language elevates the central love story above the at times formulaic conduction of the feud, theatrical convention dictates that his lovers must be sacrificed in order for the feud to be resolved. Thus, in spite of Romeo’s joyous declaration that his dreams “presage some joyful news at hand” (5.1.2), the tragic deaths of the lovers prevail over the many narratorial opportunities that exist within the final Act to bring about a more conventional happy ending. This essay argues that the need to negotiate between the audience’s emotional loyalty to the romantic couple and the structure of the tragic plot which requires the sacrifice of the couple in order to achieve its resolution is the central dilemma that adaptations of Romeo and Juliet need to address. The screenplay must attempt to convince audiences of the inevitability and inherent rightness of their deaths in spite of the numerous opportunities that exist within the narrative to challenge this fate. The essay will examine the construction of the ending in a number of adaptations: Franco Zeffirelli’s Romeo and Juliet (1968), Baz Luhrmann’s William Shakespeare’s Romeo+Juliet (1996) and John Madden’s Shakespeare in Love (1998). It will focus in particular on moments of conflict apparent in the screenplays, moments when it is clear that the narrative is trying to subvert the tragic ending. The final Act in the movies becomes a struggle for dominance between the pre-existing dictates of Shakespeare’s plot and audience expectations that love can and should conquer all. D’un point de vue théâtral, Roméo et Juliette est une anomalie. Le poète mélancolique, les amants passionnés, les querelles internes des familles et l’histoire alambiquée concoctée pour propulser les amants vers une fin où « ils vécurent toujours heureux » sont toutes des conventions propres à la comédie shakespearienne. Pourtant, en 1599, le texte publié dans le second quarto compléta le titre de la pièce par The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet, situant celle-ci dans le genre de la tragédie et suggérant que le but de Shakespeare était d’écrire une pièce didactique mettant en garde l’Angleterre sur les dangers d’une guerre civile. Bien que la langue magnifique élève l’histoire d’amour centrale au-dessus des disputes parfois convenues, la convention théâtrale exige que les amants soient sacrifiés afin que les conflits soient résolus. Aussi, malgré la déclaration enjouée d’un Roméo voyant ses rêves présager une “heureuse nouvelle à portée de main” (“presage some joyful news at hand”, 5.1.2), la mort tragique des amants prévaut sur les nombreuses possibilités narratives qui subsistent dans le dernier acte et qui pourraient mener vers un heureux dénouement plus conventionnel. Cette étude considère que ce besoin de négocier entre la loyauté émotionnelle du public envers le couple romantique et la structure de l’intrigue tragique qui, elle, requiert le sacrifice de ce même couple afin d’atteindre le dénouement, est le dilemme central des adaptations cinématographiques de Roméo et Juliette. Le scénario doit convaincre le public de l’inéluctabilité et de la moralité de la mort des jeunes héros malgré les nombreuses occasions qui existent pour mettre au défi leur sort. Ce travail examine donc la construction de la fin dans trois adaptations, celles de Franco Zeffirelli (1968), de Baz Luhrmann (1996) et de John Madden (Shakespeare in Love, 1998). Il se focalise en particulier sur les moments de conflits apparents dans les scénarii, des moments où il est clair que la narration essaie de subvertir la fin tragique. Le dernier acte des films devient un combat de chefs entre ce que dicte l’intrigue écrite par Shakespeare et les attentes du public pour qui l’amour peut et devrait tout vaincre. dim., 08 déc. 2019 14:25:25 +0100 ven., 18 févr. 2022 16:49:19 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1738