https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=2364 Index de comedy fr 0 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=2508 Dans cet article, nous essayerons d’abord d’identifier dans l’œuvre comique de Shakespeare ce qui distingue la comédie baroque du XVIIe siècle de ses héritages antique (la comédie ménandrienne) et médiéval (la farce). Le renouvellement de la sémantique comique dans l’œuvre de Shakespeare aura une influence durable sur le développement historique du genre comique. Mais surtout, il permet à Stanley Cavell et à René Girard d’analyser son œuvre au prisme de leurs pensées respectives, en explorant l’influence du corpus shakespearien sur les genres comiques contemporains, théâtraux ou cinématographiques. Si, pour Cavell, un principe d’égalité est contenu dans le renouvellement des codes comiques par Shakespeare, et se révèle surtout dans la manière dont la comédie cinématographique, surtout la « screwball comedy » américaine des années 1930-1940, reprend et retravaille l’héritage shakespearien, Girard, à la lumière de sa théorie du désir mimétique et triangulaire, construit un discours sur le même corpus shakespearien bien divergent de la lecture cavellienne, ce qui nous permet de repenser la comédie « screwball » sous l’angle d’une dialectique constamment renouvelée, au sein du couple comique, du désir et de ses expressions conflictuelles. In this article, we will first try to identify, in Shakespeare’s comic corpus, what distinguishes the Seventeenth Century’s Baroque comedy from its predecessors, the Menanderan comedy and the Medieval farce. The renewal of comic conventions in Shakespeare’s work will have a lasting influence on the historic development of the genre. But also, it allows Stanley Cavell and René Girard to analyze his corpus in light of their respective systems, while exploring the Bard’s influence on contemporary comedy in theater and film. If, according to Cavell, an egalitarian principle underlies the renewal of comic conventions in Shakespeare’s comedies, and is particularly explicit in the way American « screwball comedy » of the 1930s and 1940s reworks Shakespeare’s legacy, Girard, based on his theory of mimetic and triangular desire, builds a different discourse on the same corpus, which allows us to rethink film comedy, and « screwball comedy », from the angle of a renewed dialectic, at the heart of the comic couple’s « shenanigans », between desire and its conflictual expressions. sam., 21 nov. 2020 22:12:00 +0100 sam., 28 févr. 2026 12:41:04 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=2508 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1738 Shakespeare’s Romeo and Juliet is in theatrical terms an anomaly. The melancholic young poet, the passionate lovers, the dramatic infighting of the families and the convoluted story concocted to propel the lovers into their “happy ever after” all sit comfortably within the conventions of Shakespearean comedy. However, the script published in the second Quarto in 1599 gave the play its extended title of The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet, clearly situating it within the genre of tragedy and suggesting that Shakespeare’s main aim was to write a didactic play about the dangers of England’s descent into civil war. Although the beautiful language elevates the central love story above the at times formulaic conduction of the feud, theatrical convention dictates that his lovers must be sacrificed in order for the feud to be resolved. Thus, in spite of Romeo’s joyous declaration that his dreams “presage some joyful news at hand” (5.1.2), the tragic deaths of the lovers prevail over the many narratorial opportunities that exist within the final Act to bring about a more conventional happy ending. This essay argues that the need to negotiate between the audience’s emotional loyalty to the romantic couple and the structure of the tragic plot which requires the sacrifice of the couple in order to achieve its resolution is the central dilemma that adaptations of Romeo and Juliet need to address. The screenplay must attempt to convince audiences of the inevitability and inherent rightness of their deaths in spite of the numerous opportunities that exist within the narrative to challenge this fate. The essay will examine the construction of the ending in a number of adaptations: Franco Zeffirelli’s Romeo and Juliet (1968), Baz Luhrmann’s William Shakespeare’s Romeo+Juliet (1996) and John Madden’s Shakespeare in Love (1998). It will focus in particular on moments of conflict apparent in the screenplays, moments when it is clear that the narrative is trying to subvert the tragic ending. The final Act in the movies becomes a struggle for dominance between the pre-existing dictates of Shakespeare’s plot and audience expectations that love can and should conquer all. D’un point de vue théâtral, Roméo et Juliette est une anomalie. Le poète mélancolique, les amants passionnés, les querelles internes des familles et l’histoire alambiquée concoctée pour propulser les amants vers une fin où « ils vécurent toujours heureux » sont toutes des conventions propres à la comédie shakespearienne. Pourtant, en 1599, le texte publié dans le second quarto compléta le titre de la pièce par The Most Excellent and Lamentable Tragedy of Romeo and Juliet, situant celle-ci dans le genre de la tragédie et suggérant que le but de Shakespeare était d’écrire une pièce didactique mettant en garde l’Angleterre sur les dangers d’une guerre civile. Bien que la langue magnifique élève l’histoire d’amour centrale au-dessus des disputes parfois convenues, la convention théâtrale exige que les amants soient sacrifiés afin que les conflits soient résolus. Aussi, malgré la déclaration enjouée d’un Roméo voyant ses rêves présager une “heureuse nouvelle à portée de main” (“presage some joyful news at hand”, 5.1.2), la mort tragique des amants prévaut sur les nombreuses possibilités narratives qui subsistent dans le dernier acte et qui pourraient mener vers un heureux dénouement plus conventionnel. Cette étude considère que ce besoin de négocier entre la loyauté émotionnelle du public envers le couple romantique et la structure de l’intrigue tragique qui, elle, requiert le sacrifice de ce même couple afin d’atteindre le dénouement, est le dilemme central des adaptations cinématographiques de Roméo et Juliette. Le scénario doit convaincre le public de l’inéluctabilité et de la moralité de la mort des jeunes héros malgré les nombreuses occasions qui existent pour mettre au défi leur sort. Ce travail examine donc la construction de la fin dans trois adaptations, celles de Franco Zeffirelli (1968), de Baz Luhrmann (1996) et de John Madden (Shakespeare in Love, 1998). Il se focalise en particulier sur les moments de conflits apparents dans les scénarii, des moments où il est clair que la narration essaie de subvertir la fin tragique. Le dernier acte des films devient un combat de chefs entre ce que dicte l’intrigue écrite par Shakespeare et les attentes du public pour qui l’amour peut et devrait tout vaincre. dim., 08 déc. 2019 14:25:25 +0100 ven., 18 févr. 2022 16:49:19 +0100 https://shakespeare.edel.univ-poitiers.fr:443/shakespeare/index.php?id=1738